Mojstrova likovna dediščina ni omejena le na knjižno grafiko. A. F. Pakhomov je avtor monumentalnih slik, slik, štafelajne grafike: risb, akvarelov, številnih grafik, vključno z vznemirljivimi listi iz serije "Leningrad v dneh obleganja". Vendar se je zgodilo, da je v literaturi o umetniku obstajala netočna predstava o resničnem obsegu in času njegove dejavnosti. Včasih se je pokritost njegovega dela začela šele z deli iz sredine 30-ih, včasih pa še kasneje - s serijo litografij iz vojnih let. Tako omejen pristop ni le zožil in okrnil ideje o izvirni in živahni zapuščini A. F. Pakhomova, ki je nastajala več kot pol stoletja, ampak je osiromašil tudi sovjetsko umetnost kot celoto.
Potreba po preučevanju dela A. F. Pakhomova je že dolgo zamujena. Prva monografija o njem se je pojavila sredi tridesetih let. Seveda je bil v njej upoštevan le del del. Kljub temu in omejenemu razumevanju tradicij, značilnih za tisti čas, je delo prvega biografa V. P. Anikieva ohranilo svojo vrednost tako s stvarne strani kot tudi (s potrebnimi prilagoditvami) konceptualno. V esejih o umetniku, objavljenih v 50. letih, se je zajetje gradiva iz 20. in 30. let izkazalo za ožje, zajetje dela naslednjih obdobij pa bolj selektivno. Danes se zdi, da je deskriptivna in ocenjevalna plat del o A. F. Pakhomovu, ki je dve desetletji oddaljena od nas, izgubila veliko verodostojnosti.
V 60. letih prejšnjega stoletja je A. F. Pakhomov napisal izvirno knjigo »O svojem delu«. Knjiga je jasno pokazala zmotnost številnih prevladujočih idej o njegovem delu. Umetnikovo razmišljanje o času in umetnosti, izraženo v tem delu, ter obsežno gradivo iz posnetkov pogovorov z Aleksejem Fjodorovičem Pahomovim, ki jih je naredil avtor teh vrstic, so pomagali ustvariti monografijo, ki jo ponuja bralcem.
A. F. Pakhomov ima izjemno veliko slikarskih in grafičnih del. Ne da bi se pretvarjal, da bi jih izčrpno zajel, je avtor monografije menil, da je njegova naloga dati idejo o glavnih vidikih ustvarjalna dejavnost mojstra, o njegovem bogastvu in izvirnosti, o učiteljih in sodelavcih, ki so prispevali k razvoju umetnosti A. F. Pakhomova. Državljanski duh, globoka vitalnost in realizem, značilni za umetnikova dela, so omogočili prikaz razvoja njegovega dela v stalni in tesni povezavi z življenjem sovjetskih ljudi.
Kot eden največjih mojstrov sovjetske umetnosti je A.F. Pakhomov preživel vso svojo dolgo življenjsko in ustvarjalno pot. vroča ljubezen do domovine, do svojih ljudi. Visok humanizem, resnicoljubnost, domišljijska bogastvo delajo njegova dela tako iskrena, iskrena, polna topline in optimizma.
V regiji Vologda, v bližini mesta Kadnikov, na bregovih reke Kubene, se nahaja vas Varlamovo. Tam se je 19. septembra (2. oktobra) 1900 kmečki ženski Efimiji Petrovni Pahomovi rodil deček, ki so ga poimenovali Aleksej. Njegov oče, Fjodor Dmitrijevič, je izhajal iz "apanažnih" kmetov, ki v preteklosti niso poznali grozot suženjstva. Ta okoliščina je imela pomembno vlogo pri načinu življenja in prevladujočih značajskih lastnostih ter razvila sposobnost preprostega, umirjenega in dostojanstvenega obnašanja. Tu so se ukoreninile tudi lastnosti posebnega optimizma, širokosrčnosti, duhovne neposrednosti in odzivnosti. Alexey je bil vzgojen v delovnem okolju. Nismo dobro živeli. Tako kot v vsej vasi do pomladi ni bilo dovolj lastnega kruha, morali so ga kupovati. Potreben je bil dodaten zaslužek, ki so ga zagotavljali odrasli družinski člani. Eden od bratov je bil kamnosek. Številni sovaščani so delali kot mizarji. In vendar se je mladi Aleksej spominjal zgodnjega obdobja svojega življenja kot najbolj veselega. Po dveh letih študija na župnijski šoli in nato še dveh letih na zemeljski šoli v sosednji vasi so ga poslali »na državne stroške in za državno hrano« v višjo osnovno šolo v mestu Kadnikov. Čas, preživet tam, je ostal v spominu A. F. Pakhomova kot zelo težak in lačen. »Od takrat je moje brezskrbno otroštvo v očetova hiša»,« je dejal, »to se mi je za vedno zdelo najsrečnejše in najbolj poetično obdobje in ta poetizacija otroštva je pozneje postala glavni motiv mojega dela.« Umetniška sposobnost Aleksejevi simptomi so se pokazali zgodaj, čeprav tam, kjer je živel, ni bilo pogojev za njihov razvoj. Toda tudi v odsotnosti učiteljev je fant dosegel določene rezultate. Sosednji posestnik V. Zubov je opozoril na njegov talent in podaril Aljoši svinčnike, papir in reprodukcije slik ruskih umetnikov. Zgodnje risbe Pakhomova, ki so se ohranile do danes, razkrivajo nekaj, kar bo kasneje, obogateno s strokovno spretnostjo, postalo značilno za njegovo delo. Malo umetnico je navdušila podoba človeka in predvsem otroka. Riše svoje brate, sestre in sosedove otroke. Zanimivo je, da ritem linij teh preprostih portretov s svinčnikom odzvanja risbe iz njegovih zrelih let.
Leta 1915, ko je končal šolo v mestu Kadnikov, so na predlog okrožnega vodje plemstva Ju. Zubova lokalni ljubitelji umetnosti razpisali naročnino in z zbranim denarjem poslali Pakhomova v Petrograd na šolo A. L. Stieglitza. Z revolucijo je prišlo do sprememb v življenju Alekseja Pakhomova. Pod vplivom novih učiteljev, ki so se pojavili na šoli - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - si prizadeva bolje razumeti naloge umetnosti. Kratko usposabljanje pod nadzorom velik mojster Risba Šuhajeva mu je dala veliko dragocenosti. Ti razredi so postavili temelje za razumevanje strukture Človeško telo. Prizadeval si je za poglobljeno študijo anatomije. Pakhomov je bil prepričan, da ni treba kopirati okolice, temveč jo smiselno prikazati. Pri risanju se je navadil, da ni odvisen od svetlobnih in senčnih pogojev, ampak naravo »osvetli« s svojim očesom, tako da bližnje dele volumna pusti svetle in zatemni tiste, ki so bolj oddaljeni. "Res je," je opazil umetnik, "nisem postal pravi vernik Šuhajeva, to je, nisem slikal s sangvinikom in ga mazal z radirko, tako da je človeško telo izgledalo impresivno." Lekcije najvidnejših umetnikov knjige, Dobužinskega in Čehonina, so bile koristne, kot je priznal Pahomov. Še posebej si je zapomnil nasvet slednjega: doseči možnost pisanja pisav na knjižni platnici takoj s čopičem, brez predhodnega obrisa s svinčnikom, »kot naslov na kuverto«. Po umetnikovih besedah je takšen razvoj potrebnega očesa pozneje pomagal pri skicah iz življenja, kjer je lahko, začenši z nekaterimi podrobnostmi, postavil vse, kar je upodobljeno na list.
Leta 1918, ko je postalo nemogoče živeti v mrzlem in lačnem Petrogradu brez rednega dohodka, je Pakhomov odšel v domovino in postal učitelj umetnosti na šoli v Kadnikovu. Ti meseci so mu zelo koristili pri nadaljnjem izobraževanju. Po pouku v prvem in drugem razredu je požrešno bral, dokler mu je svetloba dopuščala in se mu oči niso utrudile. »Ves čas sem bil v vznemirjenem stanju, zgrabila me je vročica spoznanja. Pred menoj se je odpiral ves svet, ki ga, kot se je izkazalo, komaj poznam,« se je tega časa spominjal Pakhomov. »Februarsko in oktobrsko revolucijo sem sprejel z veseljem, tako kot večina ljudi okoli mene, a šele zdaj, ob branju knjig o sociologiji, politični ekonomiji, zgodovinskem materializmu, zgodovini, sem začel zares razumeti bistvo dogodkov, ki so se zgodili. .”
Mladeniču so se odkrili zakladi znanosti in slovstva; Povsem naravno je bilo, da je nameraval prekinjeni študij nadaljevati v Petrogradu. V znani stavbi na Solyanoy Lane je začel študirati pri N. A. Tyrsi, ki je bil takrat tudi komisar nekdanje Stieglitzove šole. "Mi, učenci Nikolaja Andrejeviča, smo bili zelo presenečeni nad njegovim kostumom," je dejal Pakhomov. »Komisarji tistih let so nosili usnjene kape in jakne s pasom za meče in revolverjem v torbici, Tyrsa pa je hodil s palico in klobukom. Toda njegove pogovore o umetnosti so poslušali z zadihanim dihom.« Vodja delavnice je duhovito ovrgla zastarele poglede na slikarstvo, študente seznanila z dosežki impresionistov, izkušnjami postimpresionizma in nežno opozorila na iskanja, ki so vidna v delih Van Gogha in predvsem Cezanna. Tyrsa ni postavil jasnega programa za prihodnost umetnosti, od tistih, ki so študirali v njegovi delavnici, je zahteval spontanost: pišite, kot čutite. Leta 1919 je bil Pakhomov vpoklican v Rdečo armado. Poglobljeno se je seznanil s prej nepoznanim vojaškim okoljem in ga resnično razumel ljudski značaj vojske Dežele Sovjetov, kar je kasneje vplivalo na interpretacijo te tematike v njegovem delu. Spomladi naslednjega leta, demobiliziran po bolezni, se je Pakhomov, ko je prispel v Petrograd, preselil iz delavnice N. A. Tyrsa k V. V. Lebedevu in se odločil, da bo dobil idejo o načelih kubizma, ki so se odražala v število del Lebedeva in njegovih učencev. Malo del Pakhomova, ki je bil dokončan v tem času, je preživelo. Takšno je na primer "Tihožitje" (1921), ki ga odlikuje subtilen občutek za teksturo. Razkriva željo, ki se je naučil od Lebedeva, doseči »dodelanost« del, ne iskati površinske popolnosti, temveč konstruktivno slikovno organizacijo platna, ne da bi pozabili na plastične lastnosti upodobljenega.
Ideja o novem odlično opravljeno Pakhomova slika "Košara" je nastala v njegovi rodni vasi Varlamov. Tam se je zbiral material zanjo. Umetnik ni upodobil običajnega vsakdanjega prizora košnje, temveč pomoč mladih kmetov sosedom. Čeprav je bil prehod na kolektivno, kolektivno kmečko delo tedaj stvar prihodnosti, je bila sama prireditev, ki je kazala na mladost in strast do dela, na nek način že sorodna novim tokovom. Skice in skice figur koscev, fragmenti pokrajine: trave, grmičevje, strnišča pričajo o neverjetni doslednosti in resnosti likovnega koncepta, kjer se drzna teksturna iskanja združujejo z reševanjem plastičnih problemov. Sposobnost Pakhomova, da ujame ritem gibov, je prispevala k dinamičnosti kompozicije. Umetnik je več let delal na tej sliki in opravil veliko pripravljalnih del. V številnih izmed njih je razvil zaplete, ki so blizu ali spremljajo glavno temo.
Risba »Tepenje kos« (1924) prikazuje dva mlada kmeta pri delu. Pakhomov jih je skiciral iz življenja. Nato je s čopičem šel čez ta list in posploševal upodobljeno, ne da bi opazoval svoje modele. Dobre plastične lastnosti, združene s prenosom močnega giba in splošno slikarsko uporabo črnila, so vidne v zgodnejšem delu iz leta 1923 Dve kosilnici. Kljub globoki resnicoljubnosti in lahko rečemo resnosti risbe je tukaj umetnika zanimala izmenjava ravnine in volumna. List pametno uporablja pranja črnila. Nakazana je pokrajinska okolica. Opazna je tekstura pokošene in stoječe trave, ki dizajnu doda ritmično pestrost.
Med precejšnjim številom barvnih razvojev ploskve "Košara" je treba omeniti akvarel "Kosilnica v rožnati srajci". V njej je bilo poleg slikarskih prask s čopičem uporabljeno tudi praskanje po mokri barvni plasti, ki je dajalo podobi posebno ostrino in je bilo v sliko vneseno v drugi tehniki (v oljnem slikarstvu). Velik list »Košara«, naslikan v akvarelu, je barvit. V njej se zdi, da je prizor viden z visokega zornega kota. S tem je bilo mogoče prikazati vse figure koscev, ki hodijo v vrsti, in doseči posebno dinamiko v prenosu njihovih gibov, ki jo omogoča diagonalna razporeditev figur. Ko je umetnik cenil to tehniko, je sliko zgradil na ta način in je v prihodnosti ni pozabil. Pakhomov je dosegel slikovito celotno paleto in posredoval vtis jutranje meglice, prežete sončna svetloba. Ista tema je drugače obravnavana v oljni sliki »Na košnji«, ki prikazuje kosce pri delu in konja, ki se pase ob strani pri vozu. Pokrajina je tu drugačna kot na drugih skicah, variantah in na sliki sami. Namesto polja je breg hitre reke, ki ga poudarjajo tokovi in čoln z veslačem. Barvitost krajine je ekspresivna, zgrajena na različnih hladnih zelenih tonih, v ospredju so uvedeni le toplejši odtenki. Določena dekorativnost je bila najdena v kombinaciji figur z okolico, ki je okrepila celoten barvni ton.
Ena od slik Pakhomova o športnih temah v dvajsetih letih je "Fantje na drsalkah". Umetnik je kompozicijo zgradil na podobi najdaljšega trenutka gibanja in zato najbolj plodnega, ki daje idejo o tem, kaj je minilo in kaj se bo zgodilo. Kontrastno je prikazana druga figura v daljavi, ki vnaša ritmično raznolikost in zaključuje kompozicijsko idejo. Na tej sliki je poleg zanimanja za šport mogoče videti Pakhomov poziv k najpomembnejši temi njegovega dela - življenju otrok. Prej se je ta trend odražal v umetnikovi grafiki. Od sredine dvajsetih let prejšnjega stoletja je bilo Pakhomovo globoko razumevanje in ustvarjanje podob otrok dežele Sovjetov njegov izjemen prispevek k umetnosti. Ob preučevanju velikih slikarskih in plastičnih problemov jih je umetnik reševal v delih na to novo pomembno temo. Na razstavi leta 1927 je bila prikazana slika »Kmečka deklica«, ki je bila, čeprav je imela nekaj skupnega namena z zgoraj obravnavanimi portreti, tudi samostojnega pomena. Umetnikova pozornost je bila osredotočena na podobo dekličine glave in rok, naslikanih z velikim plastičnim občutkom. Tip mladega obraza je ujet na izviren način. Po neposrednosti občutenja je tej sliki blizu »Dekle z lasmi«, ki je bila prvič razstavljena leta 1929. Od doprsne podobe iz leta 1927 se je razlikovala po novi, bolj razširjeni kompoziciji, ki je vključevala skoraj celotno celopostavno figuro, upodobljeno podrobneje. kompleksno gibanje. Umetnica je prikazala sproščeno pozo dekleta, ki si je popravila lase in gledala v majhno ogledalo, ki je ležala na kolenih. Zvočne kombinacije zlati obraz in roke, modra obleka in rdeča klop, škrlatni suknjič in oker-zelenkaste brunaste stene koče prispevajo k čustvenosti podobe. Pakhomov je subtilno ujel nedolžen izraz otroški obraz, dotikajoča se poza. Živahne, nenavadne slike so ustavile občinstvo. Obe deli sta bili del tujih razstav sovjetske umetnosti.
Skozi svojo polstoletno ustvarjalno dejavnost je bil A. F. Pahomov v tesnem stiku z življenjem sovjetske države, kar je preželo njegova dela z navdihnjeno prepričanostjo in močjo življenjske resnice. Njegova umetniška individualnost se je razvila zgodaj. Poznavanje njegovega dela kaže, da ga je že v dvajsetih letih odlikovala globina in temeljitost, obogatena z izkušnjami proučevanja svetovne kulture. Pri njegovem oblikovanju je očitna vloga umetnosti Giotta in protorenesanse, vendar vpliv staro ruskega slikarstva ni bil nič manj globok. A. F. Pakhomov je bil eden od mojstrov, ki so inovativno pristopili k bogati klasični dediščini. Njegova dela imajo sodoben pridih pri reševanju tako slikovnih kot grafičnih problemov.
Za razvoj sovjetske umetnosti je pomembno Pakhomovo obvladovanje novih tem na platnih "1905 na vasi", "Jezdeci", "Spartakovka" in v ciklu slik o otrocih. Umetnik je imel pomembno vlogo pri oblikovanju podobe svojega sodobnika, o čemer priča njegova serija portretov. Prvič je v umetnost vnesel tako žive in življenjske podobe mladih državljanov dežele Sovjetov. Ta stran njegovega talenta je izjemno dragocena. Njegova dela bogatijo in širijo predstave o zgodovini ruskega slikarstva. Že v dvajsetih letih prejšnjega stoletja so največji muzeji v državi pridobili slike Pakhomova. Njegova dela so mednarodno zaslovela na velikih razstavah v Evropi, Ameriki in Aziji.
A. F. Pakhomova je navdihnila socialistična realnost. Njegovo pozornost so pritegnili preizkušanje turbin, delo tkalnic in novosti v kmetijskem življenju. Njegova dela razkrivajo teme, povezane s kolektivizacijo, uvajanjem tehnike na polja, uporabo kombajnov, delovanjem traktorjev ponoči ter življenjem vojske in mornarice. Poudarjamo posebno vrednost teh dosežkov Pakhomova, saj je vse to umetnik prikazal že v 20. in zgodnjih 30. letih. Njegova slika Pionirji s kmetom, serija o komuni Sejalec in portreti iz Lepe sablje sodijo med najgloblja dela naših umetnikov o spremembah na podeželju in kolektivizaciji.
Dela A. F. Pakhomova odlikujejo monumentalne rešitve. V zgodnjem sovjetskem stenskem slikarstvu so umetnikova dela med najbolj osupljivimi in zanimivimi. V kartonih »Rdeče prisege«, slikah in skicah »Okroglega plesa otrok vseh narodov«, slikah o koscih, pa tudi na splošno v najboljših stvaritvah Pakhomovega slikarstva je oprijemljiva povezava z velikimi tradicijami starodavna narodna dediščina, ki je del zakladnice svetovne umetnosti. Koloristična in figurativna plat njegovih slik, slik, portretov, pa tudi štafelajne in knjižne grafike je globoko izvirna. Briljantne uspehe plenerističnega slikarstva dokazuje serija "Na soncu" - nekakšna hvalnica mladosti dežele Sovjetov. Tu je umetnik v upodabljanju golega telesa deloval kot eden velikih mojstrov, ki so prispevali k razvoju tega žanra v sovjetskem slikarstvu. Pakhomova barvna iskanja so bila združena z rešitvijo resnih plastičnih problemov.
Treba je reči, da je imela umetnost v osebi A. F. Pakhomova enega največjih risarjev našega časa. Mojster je mojstrsko obvladal različne materiale. Dela s tušem in akvarelom, s peresom in čopičem so mejila na briljantne risbe s grafitnim svinčnikom. Njegovi dosežki presegajo okvire domače umetnosti in se uvrščajo med izjemne stvaritve svetovne grafike. Primerov za to ni težko najti v seriji doma narejenih risb v dvajsetih letih 20. stoletja, med listi, nastalimi na potovanjih po državi v naslednjem desetletju, in v serijah o pionirskih taborih.
Prispevek A. F. Pakhomova k grafiki je ogromen. Njegova štafelajna in knjižna dela, posvečena otrokom, sodijo med izjemne uspehe na tem področju. Eden od začetnikov sovjetske ilustrirane literature je vanjo vnesel globoko in individualizirano podobo otroka. Njegove risbe so navduševale bralce s svojo vitalnostjo in ekspresivnostjo. Brez poučevanja je umetnik živo in jasno posredoval svoje misli otrokom in prebudil njihova čustva. A pomembne teme izobraževanje in šolsko življenje! Nihče od umetnikov jih ni rešil tako globoko in resnično kot Pakhomov. Prvič je tako figurativno in realistično ilustriral pesmi V. V. Majakovskega. Umetniško odkritje postale njegove risbe za dela L. N. Tolstoja za otroke. Pregledano grafično gradivo je jasno pokazalo, da je delo Pakhomova, ilustratorja sodobnega in klasične literature, je neprimerno omejevati le na področje otroških knjig. Umetnikove odlične risbe za dela Puškina, Nekrasova, Zoščenka pričajo o velikih uspehih ruske grafike 30-ih let. Njegova dela so prispevala k uveljavitvi metode socialističnega realizma.
Umetnost A. F. Pakhomova odlikujejo državljanstvo, sodobnost in relevantnost. V obdobju najtežjih preizkušenj blokade Leningrada umetnik ni prekinil svojih dejavnosti. Skupaj z umetniškimi mojstri mesta na Nevi je, kot nekoč v mladosti med državljansko vojno, delal na nalogah s fronte. Serija litografij Pakhomova "Leningrad v dneh obleganja", ena najpomembnejših umetniških stvaritev v vojnih letih, razkriva neprimerljivo hrabrost in pogum sovjetskih ljudi.
Med navdušenimi umetniki, ki so prispevali k razvoju in širjenju te vrste tiskane grafike, je treba imenovati avtorja več sto litografij A. F. Pakhomova. Možnost nagovarjanja širokega kroga gledalcev in množičnost nakladnega tiska sta pritegnili njegovo pozornost.
Za njegova dela sta značilni klasična jasnost in lakonizem likovnih sredstev. Podoba osebe je njegov glavni cilj. Izredno pomembna stran Umetnikova ustvarjalnost, ki ga dela sorodnega klasičnim tradicijam, je želja po plastični izraznosti, ki je jasno vidna v njegovih slikah, risbah, ilustracijah, grafikah, vse do njegovih najnovejših del. To je počel nenehno in dosledno.
A. F. Pakhomov je »globoko izviren, velik ruski umetnik, popolnoma potopljen v upodabljanje življenja svojega naroda, a hkrati absorbira dosežke svetovne umetnosti. Delo A. F. Pakhomova, slikarja in grafika, je pomemben prispevek k razvoju sovjetske umetniške kulture. /V.S. Matafonov/
____________________________________________________________________________________________________________
VLADIMIR VASILJEVIČ LEBEDEV
14(26).05.1891, St. Petersburg - 21.11.1967, Leningrad
Ljudski umetnik RSFSR. Dopisni član Akademije umetnosti ZSSR
Delal je v St. Petersburgu v ateljeju F. A. Roubo in obiskoval šolo za risanje, slikanje in kiparstvo M. D. Bernsteina in L. V. Sherwooda (1910-1914), študiral v St. Petersburgu na Akademiji za umetnost (1912-1914). Član Društva štirih umetnosti. Sodeloval v revijah "Satyricon" in "New Satyricon". Eden od organizatorjev Windows ROSTA" v Petrogradu.
Leta 1928 je Ruski muzej v Leningradu gostil osebno razstavo Vladimirja Vasiljeviča Lebedeva, enega sijajnih grafikov dvajsetih let prejšnjega stoletja. Takrat so ga fotografirali na ozadju njegovih del. Brezmadežno beli ovratnik in kravato, čez obrvi potegnjen klobuk, resen in rahlo aroganten izraz na obrazu, korekten nastop in nespuščanje blizu, hkrati pa je bil suknjič odvržen, rokavi srajce zavihal nad komolci, razgalil svoje mišičaste velike roke s "pametnimi" in "živčnimi" ščetkami. Vse skupaj pušča vtis umirjenosti, pripravljenosti za delo in kar je najpomembneje – ustreza naravi razstavljene grafike, notranje napete, skoraj hazarderske, mestoma ironične in kot odete v oklep rahlo hladilne grafične tehnike. . Umetnik je vstopil v postrevolucionarno obdobje s plakati za "Windows of GROWTH". Kot v "The Ironers" (1920), ki je nastal v istem času, so posnemali slog barvnega kolaža. Vendar pa je na plakatih ta tehnika, ki izhaja iz kubizma, dobila popolnoma nov pomen, saj z lapidarnostjo znaka izraža patos obrambe revolucije (“ Na straži oktobra ", 1920) in volja do dinamičnega dela ("Demonstracija", 1920). Eden od plakatov ("Moram delati - puška je v bližini", 1921) prikazuje delavca z žago in se hkrati dojema kot nekakšen trdno sestavljen predmet. Oranžne, rumene in modre črte, ki sestavljajo figuro, so nenavadno trdno povezane s tiskanimi črkami, ki za razliko od kubističnih napisi, imajo poseben pomenski pomen. S kakšno ekspresivnostjo je diagonala, ki jo tvorijo beseda »delati«, žagin list in beseda »morati«, oster lok iz besed »puška v bližini« in linije delavčevih ramen. sekajo drug drugega! Enako vzdušje neposrednega vstopa risbe v realnost je bilo značilno za risbe Lebedjeva v tistem času za otroške knjige. V Leningradu v dvajsetih letih prejšnjega stoletja se je oblikovala cela smer ilustriranja knjig za otroke. V. Ermolaeva, N. Tyrsa delal skupaj z Lebedevom , N. Lapshin, literarni del pa je vodil S. Marshak, ki je bil takrat blizu skupini leningrajskih pesnikov - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Kharms, A. Vvedensky. V tistih letih se je vzpostavila prav posebna podoba knjige, drugačna od tiste, ki jo je v tistih letih gojila moskovska ilustracije vodil V. Favorsky. Medtem ko je v skupini moskovskih lesorezov oziroma bibliofilov vladalo skoraj romantično dojemanje knjige in je delo na njej samo vsebovalo nekaj »hudo asketskega«, so leningrajski ilustratorji ustvarili nekakšno »knjigo igračo«, ki jo je dala neposredno v roke otroka, ki mu je bila namenjena. Gibanje domišljije »v globino kulture« je tukaj zamenjala vesela učinkovitost, ko si lahko vrtel barvno knjigo v rokah ali celo plazil po njej, ki je ležala na tleh, obdana z igračami slončki in kockami. Nazadnje se je »sveto svetih« lesoreza Favorskega - gravitacija črno-belih elementov podobe v globino ali iz globine lista - tu umaknila odkrito ploskemu prstanju, ko se je risba pojavila kot »pod otroške roke« iz kosov papirja, izrezanih s škarjami. Znamenita naslovnica za "Slončka" R. Kiplinga (1926) je oblikovana kot iz kupa ostankov, naključno raztresenih po površini papirja. Zdi se, da je umetnik (in morda otrok sam!) premikal te koščke po papirju, dokler ni dobil popolne kompozicije, v kateri gre vse »kot kolo« in kjer se medtem ničesar ne da premakniti niti za milimeter: v sredina je slonček z ukrivljenim dolgim nosom, okoli njega so piramide in palme, na vrhu je velik napis »Slonček«, spodaj pa je krokodil, ki je doživel popoln poraz.
Toda knjiga je še bolj strastno izvedena"Cirkus"(1925) in "Kako je letalo naredilo letalo", v katerem so risbe Lebedeva spremljale pesmi S. Marshaka. Na nastavkih, ki prikazujejo rokovanje klovnov ali debelega klovna na oslu, je delo z izrezovanjem in lepljenjem zelenih, rdečih ali črnih kosov dobesedno »v polnem teku«. Tukaj je vse "ločeno" - črni čevlji ali rdeči nosovi klovnov, zelene hlače ali rumena kitara debeluha s karasom - a s kakšnim neprimerljivim sijajem je vse povezano in "zlepljeno", prežeto z duhom živahna in vesela pobuda.Vse te slike Lebedeva, namenjene običajnim otroškim bralcem, vključno s takšnimi mojstrovinami, kot so litografije za knjigo "Lov" (1925), so bile po eni strani produkt prefinjene grafične kulture, ki je lahko zadovoljila tudi najzahtevnejše oko, in na drugi strani pa umetnost, razkrita v živo realnost. Predrevolucionarna grafika ne samo Lebedeva, ampak tudi mnogih drugih umetnikov še ni poznala tako odkritega stika z življenjem (čeprav je Lebedev v 1910-ih slikal za revijo Satirikon) – manjkali so ti »vitamini«. , oziroma tiste »življenjske kvasovke«, na katerih je v dvajsetih letih prejšnjega stoletja »kvasila« sama ruska stvarnost. Ta povezava je bila nenavadno jasno razkrita vsakdanje risbe Lebedev, ne toliko vdiranje v življenje, kot ilustracije ali plakati, kot vpijanje v svojo figurativno sfero. Osnova tukaj je močno pohlepno zanimanje za vse novo. socialni tipi, ki se nenehno pojavljale okoli. Risbe iz let 1922-1927 bi lahko združili pod naslovom "Pano revolucije", s katerim je Lebedev naslovil samo eno serijo iz leta 1922, ki je upodabljala niz figur postrevolucionarne ulice, beseda "pano" pa je nakazovala, da to je bila najverjetneje pena, ki se je valila po teh ulicah s tokom dogodkov. Umetnik slika mornarje z dekleti na petrogradskem križišču, trgovce s stojnicami ali kicoše, oblečene po modi tistih let, predvsem pa Nepmane - te komične in hkrati groteskne predstavnike nove »ulične favne«, ki jih je z navdušenjem slikal v tistih letih. istih let in V. Konashevich ter številni drugi mojstri. Dva Nepmana na risbi "Par" iz serije "Novo življenje" (1924) bi lahko veljala za iste klovne, ki jih je Lebedev kmalu upodobil na straneh "Cirkus", če ne bi bil ostrejši odnos samega umetnika do njih. Odnosa Lebedeva do tovrstnih likov ne moremo imenovati niti "stigmatizirajočega", še manj pa "bičanja". Pred temi risbami Lebedeva ni bilo naključje, da so si P. Fedotova zapomnili s svojimi nič manj značilnimi skicami uličnih tipov 19. stoletja. Pri tem je mišljena živa neločljivost ironičnega in poetičnega principa, ki je zaznamoval oba umetnika in zaradi katerega sta njuni podobi za oba še posebej privlačni. Spomnimo se lahko tudi Lebedevovih sodobnikov, pisateljev M. Zoščenka in Y. Oleše. Imajo enako nedeljivost ironije in nasmeha, posmeha in občudovanja. Lebedeva sta očitno nekako navdušila poceni šik hoje pravega mornarja ("Dekle in mornar") in provokativen poskok dekleta s čevljem, pritrjenim na škatlo črnega škornja ("Dekle in črni škorenj" «), bil je celo nekoliko pritegnila me je tudi tista zoološka ali čisto rastlinska nedolžnost, s katero kot vrči pod ograjo plezajo vsi ti novi liki, ki dokazujejo čudeže prilagodljivosti, kot so na primer govoreče dame v krznu na izložbeno okno ("Ljudje družbe", 1926) ali kup NEPmanov na večerni ulici ("Napmani", 1926). Posebej osupljiv je poetičen začetek v najbolj znani seriji Lebedeva, "Ljubezen hmeljev" (1926-1927). Kako fascinantno vitalnost dihanje v risbi »Na drsališču« sta figuri fanta z razprtim ovčjim plaščem na prsih in dekleta, ki sedi na klopi v kapuci z lokom in nogami, podobnimi steklenicam, potegnjenimi v visoki škornji. Če je v seriji »Novo življenje« morda mogoče govoriti o satiri, je tukaj skoraj neopazna. Na risbi "Rash, Semyonovna, dodaj nekaj, Semyonovna!" - višina veseljačenja. V središču lista je vroč in mladosten par, ki pleše, in gledalcu se zdi, da sliši pljuskanje dlani ali tipove škornje, ki pravočasno klikajo, čuti kačasto prožnost njegovega golega hrbta, lahkotnost partnerjevih gibov. Od serije "Panel of the Revolution" do risb "Love of Hogs" je sam slog Lebedeva doživel opazen razvoj. Figure mornarja in dekleta na risbi iz leta 1922 so še vedno sestavljene iz neodvisnih madežev - madežev črnila različnih tekstur, podobnih tistim v "Ironers", vendar bolj posplošenih in privlačnih. V "New Life" so bile dodane nalepke, ki risbe niso več spremenile v imitacijo kolaža, ampak v pravi kolaž. Letalo je popolnoma prevladovalo na sliki, še posebej, ker bi morala dobra risba po mnenju Lebedeva najprej "dobro pristajati na papirju". Vendar pa je v listih 1926-1927 papirno ravnino vse bolj nadomeščal upodobljen prostor s svetlobo in objektivnim ozadjem. Pred nami niso več lise, temveč postopne stopnjevanja svetlobe in sence. Hkrati gibanje risbe ni bilo sestavljeno iz "rezanja in lepljenja", kot je bilo v "NEP" in "Cirkusu", temveč v drsenju mehkega čopiča ali v pretoku črnega akvarela. Do sredine dvajsetih let 20. stoletja so se številni drugi risarji usmerjali k vse bolj svobodni ali slikarski, kot ji običajno rečemo, risbi. Tu so bili N. Kupreyanov s svojimi vaškimi »čredami« ter L. Bruni in N. Tyrsa. Risba ni bila več omejena na učinek »jemanja«, izostrenega prijema »na konici peresa« vedno novih značilnih tipov, ampak kot da bi bila sama vpeta v živi tok stvarnosti z vsemi njenimi spremembami in čustvenostjo. . Sredi dvajsetih let prejšnjega stoletja je ta osvežujoč tok že zajel sfero ne le »ulične«, ampak tudi »domače« tematike in celo tako tradicionalnih plasti risbe, kot je risanje v ateljeju iz gole človeške figure. In kakšna nova risba je bila v vsej svoji atmosferi, zlasti če jo primerjate z asketsko strogo risbo predrevolucionarnega desetletja. Če primerjamo na primer odlične risbe iz akta N. Tyrsa iz leta 1915 in risbe Lebedeva iz let 1926-1927, bo presenetila spontanost Lebedevovih listov in moč njihovega občutka.
Ta spontanost Lebedevovih skic po modelu je prisilila druge umetnostne kritike, da so se spomnili tehnike impresionizma. Sam Lebedev se je zelo zanimal za impresioniste. V eni njegovih najboljših risb v seriji "Acrobat" (1926) se zdi, da čopič, namočen v črni akvarel, ustvarja energično gibanje modela. Umetnik potrebuje le samozavesten udarec, da vrže levo roko vstran, ali en drseči dotik, da usmeri komolec naprej. V seriji »Plesalka« (1927), kjer so svetlobni kontrasti oslabljeni, element gibljive svetlobe vzbuja tudi asociacije na impresionizem. »Iz prostora, prežetega s svetlobo,« piše V. Petrov, »kot vizija se pojavljajo obrisi plešoče figure«, »komaj zarisujejo lahke zamegljene lise črnega akvarela«, ko se »forma spremeni v slikovito maso in se neopazno zlije s svetlobno-zračnim okoljem.«
Samoumevno je, da ta lebedevski impresionizem ni več enak klasičnemu impresionizmu. Za njim je vedno čutiti »trening konstruktivnosti«, ki ga je mojster nedavno zaključil. Tako Lebedev kot sama leningrajska smer risanja sta ostala sama, niti za trenutek nista pozabila niti na zgrajeno ravnino niti na teksturo risbe. Pravzaprav umetnik pri ustvarjanju kompozicije risb ni reproduciral prostora s figuro, kot je to počel Degas, temveč samo to figuro, kot da bi svojo obliko zlil s formatom risbe. Komaj opazno odreže vrh glave in sam vrh stopala, zato figura ne počiva na tleh, temveč je bolj »pripeta« na spodnji in zgornji rob rjuhe. Umetnik si prizadeva čim bolj zbližati »figuralni načrt« in slikovno ploskev. Biserna poteza njegovega mokrega čopiča torej enako pripada figuri in ploskvi. Te izginjajoče svetlobne poteze, ki prenašajo samo figuro in tako rekoč toploto zraka, segretega v bližini telesa, so hkrati zaznane kot enotna tekstura risbe, povezana s potezami kitajskih risb s črnilom in se pojavi očesu kot najnežnejši "cvetni listi", subtilno zglajeni na površino lista. Poleg tega je v Lebedevovih "Akrobatih" ali "Plesalkah" enak hlad samozavestnega, umetniškega in rahlo odmaknjenega pristopa do modela, ki je bil opažen pri likih v serijah "Novo življenje" in "NEP". V vseh teh risbah je močna posplošena klasična podlaga, ki jih s svojo poezijo specifičnosti ali vsakdanjega življenja tako ostro razlikuje od Degasovih skic. Tako je v enem od briljantnih listov, kjer je balerina obrnjena s hrbtom proti gledalcu, s desna noga, postavljena na prst za levo (1927), njena figura spominja na porcelanasto figurico s polsenco in svetlobo, ki drsi po površini. Po mnenju N. Lunina je umetnik našel v balerini "popoln in razvit izraz človeškega telesa." "Tukaj je - ta subtilen in plastičen organizem - je razvit, morda malo umetno, vendar je preverjen in natančen v gibanju, sposoben "povedati o življenju" več kot katerikoli drug, saj je v njem manj vsega, kar je brez oblike, neizdelano, nestabilno po naključju." Umetnika pravzaprav ni zanimal balet sam, temveč najbolj izrazit način »povedanja življenju«. Navsezadnje je vsak od teh LISTOV kot lirična pesem, posvečena pesniško dragocenemu gibu. Balerina N. Nadeždina, ki je pozirala mojstru za obe seriji, mu je očitno veliko pomagala, saj se je ustavila v tistih "položajih", ki jih je dobro preučila, v katerih se je vitalna plastičnost telesa razkrila najbolj impresivno.
Zdi se, da umetnikovo navdušenje prebije umetniško pravilnost samozavestne spretnosti in se nato nehote prenese na gledalca. Na isti veličastni skici balerine s hrbtne strani gledalec z navdušenjem opazuje, kako virtuozni čopič ne samo upodablja, ampak ustvarja figuro, ki takoj zamrzne na prstih. Njene noge, ki jih narišeta dva "cvetna lista potez", se zlahka dvignejo nad oporišče, višje - kot izginjajoča penumbra - previdno razpršenost snežno bele tutu, še višje - skozi več vrzeli, kar daje risbi aforistično kratkost - nenavadno občutljiva oziroma »zelo slišeča« hrbtna plesalka in nič manj »slišeč« zasuk njene majhne glavice čez široka razpona ramen.
Ko je bil Lebedev fotografiran na razstavi leta 1928, se je zdelo, da je pred njim obetavna pot. Zdelo se je, da ga je večletno trdo delo dvignilo v sam grafični vrh. Hkrati je bila tako v otroških knjigah dvajsetih let prejšnjega stoletja kot v "Plesalkah" morda dosežena taka stopnja popolne popolnosti, da od teh točk morda ni bilo več nobene poti razvoja. In pravzaprav je Lebedevova risba in še več, Lebedevova umetnost dosegla svoj absolutni vrhunec. V naslednjih letih se je umetnik zelo aktivno ukvarjal s slikarstvom, veliko in vrsto let je ilustriral otroške knjige. In hkrati vsega, kar je naredil v 1930-1950-ih, ni bilo več mogoče primerjati z mojstrovinami 1922-1927, mojster pa seveda ni poskušal ponoviti odkritij, ki jih je pustil za seboj. Zlasti Lebedevove risbe z ženska figura. Če poznejše dobe ni bilo mogoče pripisati upadu risanja po modelu golega telesa, je bilo to le zato, ker je te teme sploh niso zanimale. Samo za Zadnja leta kot da prihaja do preobrata v odnosu do te najbolj poetične in ustvarjalno najžlahtnejše sfere risbe, in če je tako, potem je V. Lebedevu morda namenjena nova slava med risarji nove generacije.
Ilustracije za otroške knjige so zelo široka in zelo zanimiva tema. In ne potrebuje le občudovanja: knjižne ilustracije te naučijo dojemati lepoto, te izobražujejo na svoj način, vplivajo na tvojo ustvarjalnost - torej delujejo. Globoko zanimanje tematika in spoštovanje prave ustvarjalnosti prežemata vsako vrstico tega dela in imena tukaj omenjenih umetnikov nam bodo odprla nova ali že pozabljena obzorja.
Že dolgo sem si želela napisati recenzijo, posvečeno otroškim knjigam z dobrimi ilustracijami. Zbrala sem pogum in se vprašala: kako je najbolje pristopiti k temi? Je zelo bogata in večplastna in pristopi so tu lahko različni, jaz pa nisem likovni kritik, ne kulturni zgodovinar ...
In potem sem ugotovil: imam nekaj, na kar se lahko zanesem - svoje Osebna izkušnja, o svojem videnju teme, sklepih, ki sem jih naredila ob opazovanju in komuniciranju z otroki, o svojih spominih in vtisih iz otroštva.
Naj to ne bo ravno ocena, ampak pogovor o ilustracijah za otroške knjige. Se pogovoriva?
Pred pojavom najstarejša hči O tej temi sploh nisem razmišljal. Osebno nisem kupoval otroških knjig zase in v trgovinah, da bi jih dodajal na police. otroški oddelek ni ustrezalo.
Predstavljajte si moje presenečenje, ko se je pojavilo vprašanje o nakupu otrokovih prvih knjig: bil sem dobesedno na robu odkritja.
Iz nekega razloga sem bil prepričan, da je otroška knjiga a priori znak kakovosti. Mislila sem, da je knjiga za otroka – tako besedilo kot ilustracije – vedno rezultat velikega dela najboljši strokovnjaki, plod odgovornosti do malega bralca. Ampak ne, izkazalo se je, da je nakup dobre knjige otroku skoraj nagrada za ure iskanja in skrbnega izbiranja.
Ne bom zdaj govoril o oblikovanju knjig in slikanicah - to sta dve ločeni veliki temi. Moj pogovor bo tekel o tistih knjigah, kjer gresta besedilo in ilustracija z roko v roki.
Torej, prvi nakup za mojo hčerko je bila knjiga 100 otroških najljubših pesmi založba AST. Pred nakupom sem pregledal številne zbirke, a ko sem videl fotografije notranjih strani te knjige, sem spoznal: tukaj so - ilustracije za pesmi, ki jih potrebujem: risbe V. Čižikova, E. Bulatova in O. Vasiljeva , V. Suteev, V. Kanevsky itd.
Zdaj sem se ponovno seznanila s temi in drugimi imeni otroških ilustratorjev, potem pa sem prvega spoznala zase pomembna stvar: Minilo je že nekaj desetletij, a točno vem, kako izgleda "ukrivljena kavka", "naša Maša", "zaspani slon". To pomeni, da se bodo tudi moji otroci tam globoko v sebi spominjali slik iz otroštva in teh prihodnji spomini so v mojih rokah .
Zato imamo v domači knjižnici veliko ponatisov sovjetskih knjig s čudovitimi ilustracijami, ki so postale klasika. Nikakor ne trdim, da ni vrednih sodobnih ilustratorjev. Jejte! Ampak ... Želim, da moji otroci določena besedila povezujejo z določenimi slikami.
Na primer Rusi bajke, kot so "Repa", "Volk in kozlički", "Trije medvedi", otroške pesmice, laduške, povezujem samo z risbami Jurij Aleksejevič Vasnecov . Ko prevzamem zbirko Dve sraki sta klepetali ali kateri koli drugi knjigi z ilustracijami tega čarovnika, nekaj zamrzne v notranjosti, nato pa začne utripati vse močneje.
Nenehno občudujem umetnikovo domišljijo, njegovo sposobnost, da v petih frazah vidi poln svet, ki se ne znajde niti na desetih straneh. Ko gledam ilustracije Vasnetsova, se mi zdi, da skozi okno strani vidim le en centimeter vesolja in se nujno želim skrčiti in živeti v pravljici. Lisica in miška V. Bianchi za vedno.
Zdaj se Vasnetsov veliko ponovno objavlja. Lahko tudi najdete Ukradeno sonce K. Čukovski in mačja hiša S. Marshak in drugi. Obstaja tudi odlična serija Ladushki Založba Azbuka. Priročne, tanke knjige majhnega formata vam omogočajo branje, ko zbirke ne morete držati v roki ali pa morate knjigo vzeti za branje na pot ali v čakalno vrsto. In vsak razpon knjige s takimi ilustracijami si lahko ogledate in razpravljate do zadnjega metra poti.
Moje drugo absolutno prepričanje-asociacija je, kako izgledajo Konjiček grbec, Sivka-Burka in drugi pravljični konjički - tako, kot so bili naslikani. Nikolaj Mihajlovič Kočergin . Na YouTubu je več zbirk njegovih del.
Danes lahko kupite pravljico P. Ershova "Mali konj grbavec" z ilustracijami Kočergina pri založbi Amfora ali različici založbe NIGMA. Nikoli mi ni bilo žal, da sem imel različico "Nigma". Hvala dedičem in založnikom! Lahko celo pogledate skice in skice za pravljico, kot bi pokukali v umetnikov atelje.
Na splošno je knjiga odlična in tudi težka, tako da je ni mogoče dvigniti z eno roko za branje na prometnem mestu. Takšne publikacije morajo biti v otroški knjižnici, da učiti se ob jemanju knjige s police, »fascinirati«, čutiti in razlikovati sedanjost, ceniti in spoštovati delo mojstrov .
Založba NIGMA je že leta 2012 začela izdajati osupljivo serijo "Zapuščina N. Kochergina". Na primer, pogledam "Ruske ljudske pravljice", občudujem ... Morda se bom odločil za nakup, morda ne. Dejstvo je, da sem naletel na nekaj otroških knjig iz sovjetskega obdobja, med drugim »Kravji sin Ivan« in »Ivan carjevič in sivi volk« z ilustracijami P. Bagina ter »Pojdi tja, ne vem kam, prinesi to, ne vem tisto« z risbami V. Milashevskega, »Sivka-burka« z risbami S. Yarovoya - vse so lepe, vsaka je zaklad.
Ne spomnim se točno teh knjig iz otroštva. Spominjam se le debelih zbirk, kjer so največje slike okrašene prve črke imen pravljic. Pohlepno sem bral, pomanjkanje polnopravnih ilustracij me nikoli ni ustavilo, v glavi sem risal svoje risbe in celo cele filme pravljic, kar bi bilo enostavno nemogoče brez trdno pridobljenega nabora podob, ki so polnile moje otroštvo.
Domišljija se hrani s spominom: prej prejetimi vtisi, izkušnjami, občutki, izkušnjami. In pod umetniške podobe tukaj je dodeljenega veliko prostora. Ko to razumem, se zavedam druge zelo pomembne stvari: Od mene je odvisna kakovost shrambe, ki bo osnova bodočega ustvarjanja mojih otrok , pa naj bo to prvi portret matere, izvirna arhitekturna rešitev ali nova nanotehnologija.
"Človeška misel brez domišljije je neplodna", - je rekel K. Paustovski in nato nadaljeval: "Tako kot je domišljija brez resničnosti brezplodna". Tako sem bral na primer o Tatjana Alekseevna Mavrina : "Umetnica je dolga leta skupaj z možem Nikolajem Kuzminom potovala po starodavnih ruskih mestih, zbirala ikone in priljubljene grafike, risala iz življenja."
Z ujetjem lepote sedanjosti je Mavrina ustvarila neverjetno resnične pravljične ilustracije: "Princeska žaba", "Zgodbe Aleksandra Sergejeviča Puškina", "Na otoku Buyan"(ljudske pravljice) so neprecenljive publikacije. Oh, ni zaman, da je Tatjana Mavrina, edina ruska umetnica, prejela zlato medaljo Hansa Christiana Andersena za svoj prispevek k ilustriranju otroških knjig.
Samo neprecenljiva resnica resničnosti nam omogoča, da verjamemo in sprejmemo najbolj čarobno pravljični svet. So pa otroške knjige, v katerih ima prav ta resnica še večjo vrednost – ta knjige o živalih. Iz njih otroci pridobivajo znanje o resničnem svetu in pridobivajo prve izkušnje komuniciranja z naravo.
Mimogrede, Za majhne otroke so fotografije, čeprav so najbolj zanesljive, zelo težko zaznavne.
Druga stvar je risba umetnika, v kateri je zajeto samo bistvo, duh živega organizma. In tukaj so nenatančnost, neodgovornost in neprofesionalnost ilustratorja zelo nevarni: otroci bodo dobili izkrivljene predstave o magičnem. čudovit svet v kateri živijo.
Se bodo lahko igrali zabavne igre? Aleksej Mihajlovič Laptev (iz knjige "Pick, Puck, Pock")?
Naše prve knjige o naravi, prve enciklopedije o živalih - knjige Evgenija Ivanoviča in Nikite Evgenijeviča Čarušina, Natalije Nikitične Čarušine-Kapustine. Založba Akvarel počasi objavlja čudovito serijo "Charushinsky živali". Tanke knjige majhnega formata razkrivajo najširši svet narave v vsej njeni lepoti in harmoniji.
Mnogi sploh ne razumejo, zakaj so potrebne ilustracije, če knjiga ni namenjena otroku. Mimogrede, knjižna ilustracija ni le tematska risba, temveč sestavni del dela, ki dopolnjuje besedilo in ga naredi nekoliko bolj dostopnega bralcu. Seveda se sodobne ilustracije najbolj radikalno razlikujejo od klasičnih knjižnih gravur, vendar tudi med njimi ne najdemo samo dostojna delovna mesta, ampak prave mojstrovine. Poleg tega so nekoč ustvarjanje ilustracij izvajali veliki slikarji, za katere so slikali platna z literarna osnova bilo je podobno eksperimentu.
Ivan Jakovlevič Bilibin je bil eden prvih ruskih slikarjev, ki je začel ustvarjati ilustracije za ruske ljudske pravljice in epe. Prva knjiga z njegovimi ilustracijami je izšla, ko je mladi umetnik dopolnil 25 let. Bilibin je praviloma delal na knjigah majhnega obsega ali tako imenovanih »zvezkih«. Značilna lastnost Umetnik je imel oblikovalski slog, po katerem sta besedilo in ilustracije tvorila eno celoto. Zato je bilo v knjigah, ki jih je oblikoval Bilibin, risbam namenjeno natanko toliko prostora kot besedilu. Vse Bilibinove ilustracije, ki so imele pravljično praznični značaj z značilnostmi ljudske umetnosti, so nastale po edinstvena tehnologija. Umetnik je najprej naredil risbo s svinčnikom na pavs papirju, jo prenesel na list Whatmana in s tankim čopičem obrisal podobo s črno črto, nakar se je lotil barvanja. Med Bilibinovimi najbolj znanimi deli so ilustracije za pravljice "Sestra Aljonuška in brat Ivanuška", "Vasilisa Lepa", "Finist Jasni Sokol", "Žabja princesa", pa tudi za dela A. S. Puškina "Lukomorye" , "Zgodba o carju Saltanu ..." in "Zgodba o zlatem petelinu".
Drug izjemen umetnik, pa tudi nadarjen ilustrator, je bil Jurij Aleksejevič Vasnetsov, ustvarjalec celotne galerije slik za otroške knjige. Vasnetsov je vse svoje otroštvo in mladost preživel v mestu Vyatka, ki je postalo njegov navdih in ga je spodbudilo k ustvarjanju številnih ilustracij, ki odražajo vsakdanje in praznično življenje majhnega provincialnega mesta. Vasnetsov slog je zelo prepoznaven: vedno vsebuje svetle barve, okrašene vzorce, ozadja in slike, ki vsebujejo rožnate, modre, rumene in rdeče barve. Barva ima v ilustracijah Vasnetsova pomembno vlogo ključna vloga. Še en značilna lastnost risbe Yu.A. Vasnetsov je, da umetnik ustvarja neverjeten pravljični svet - svet otroštva, kjer ni krutosti in kjer dobro vedno zmaga nad zlom. Njegova najbolj znana dela so ilustracije za otroške knjige “Lisica in zajec”, “Trije medvedi”, “Volk in kozlički”, “Ruff the Kids”, “Petdeset prašičkov” itd.
Knjižne ilustracije ruskih umetnikov so edinstvene v svoji vrsti, resnično lepe, svetle, prijazne in zelo iskrene. Razlikujejo se bogata barva, zanimive slike in enostavnost zaznavanja. Zato ni presenetljivo, da Rusi veljajo za najbolj bran narod na svetu.
Čarobne slike. Ilustratorji vaših najljubših otroških knjigKo vidite te risbe, jih želite vzeti in priti noter - kot Alica v ogledalu. Umetniki, ki so ilustrirali najljubše knjige našega otroštva, so bili pravi čarovniki. Stavimo, da zdaj ne boste videli le v svetle barve sobi, v kateri je stala vaša posteljica, slišali pa boste tudi glas svoje mame, ki bere pravljico za lahko noč!
Vladimir Suteev
Sam Vladimir Suteev je bil avtor številnih pravljic (na primer "Kdo je rekel MEOW?", Znana iz čudovite risanke). Najbolj pa ga imamo radi zaradi vseh teh neponovljivih ježkov, medvedkov in zajčkov - dobesedno smo pogledali v knjige s Suteevovimi živalmi!
Leonid Vladimirski
Leonid Vladimirsky je najbolj srčkano strašilo na svetu, modro strašilo, pločevinasti drvar in strahopetni lev, pa tudi preostala družba, ki tepe naokoli. Smaragdno mesto ob cesti, tlakovani z rumeno opeko. In nič manj ljubek Ostržek!
Viktor Čižikov
Niti ena številka "Murzilka" in " Smešne slike" Slikal je svet Dragunskega in Uspenskega – enkrat pa je vzel in naslikal nesmrtnega olimpijskega medveda.
Aminadav Kanevsky
Pravzaprav je sam Murzilka ustvaril umetnik z nenavadno ime Aminadav Kanevsky. Poleg Murzilke ima v lasti veliko prepoznavnih ilustracij Maršaka, Čukovskega in Agnie Barto.
Ivan Semenov
Svinčnik iz »Smešnih slik« in številne ročno narisane zgodbe za to revijo je narisal Ivan Semjonov. Poleg naših prvih stripov je ustvaril tudi veliko odličnih risb za zgodbe Nosova o Kolji in Miški ter zgodbo o »Bobiku na obisku pri Barbosu«.
Vladimir Zarubin
Najbolj kul razglednice na svetu je narisal Vladimir Zarubin. Ilustriral je tudi knjige, zbiratelji pa te ljubke novoletne veverice in osmomarčevske zajčke zdaj zbirajo ločeno. In delajo prav.
Elena Afanasjeva
Umetnica Elena Afanasyeva je ustvarila zelo značilne (in tako pravilne!) sovjetske otroke. Nemogoče je gledati brez nostalgije.
Evgeny Charushin
Ko besede "lušten" še ni bilo, je že obstajal najbolj srčkan umetnik: Evgeniy Charushin, glavni strokovnjak za življenje živali. Neverjetno puhasti mačji mladiči, kosmati medvedji mladiči in razmršeni vrabci - vse sem kar hotela zadaviti... no, v naročju.
Anatolij Savčenko
In Anatolij Savčenko je ustvaril najbolj smešna in najbolj nagajiva bitja na svetu: izgubljeno papigo Kešo, leno Vovko v daljnem kraljestvu - in tega istega Carlsona! Drugi Carlsoni se preprosto motijo, to je vse.
Valerij Dmitrjuk
Še en kralj navdušenja in huliganstva je Dunno Valerija Dmitryuka. In ta umetnik je enako uspešno okrasil odrasle "krokodile".
Heinrich Valk
Še en slavni "krokodil" - Heinrich Valk - je izjemno uspel ujeti like fantov in deklet, pa tudi njihovih staršev. V njegovi predstavi predstavljamo "Dunno on the Moon", "Vitya Maleev v šoli in doma", "Hottabych" in Mikhalkovove junake.
Konstantin Rotov
Karikaturist Konstantin Rotov je upodobil najbolj smešno in najsvetlejšo (kljub dejstvu, da je bila črno-bela) »Pustolovščine kapitana Vrungela«.
Ivan Bilibin
Princ Ivan in Sivi volkovi, ognjene ptice in žabje princese, zlati petelini in zlate ribice ... Na splošno so vse ljudske pravljice in Puškinove pravljice za vedno Ivan Bilibin. Vsako podrobnost tega zapletenega in vzorčastega čarovništva je mogoče preučevati v nedogled.
Jurij Vasnecov
In še pred Puškinom so nas zabavale uganke, otroške pesmi, beloboke srake, »Mačja hiša« in »Teremok«. In ves ta veseli vrtiljak je lesketal z barvami Jurija Vasnetsova.
Boris Dekhterev
Ko smo zrasli do »Palčice«, »Mačka v škornjih« ter Perraulta in Andersena, nas je Boris Dekhterev prepeljal v njihove države - s pomočjo več čarobne palice: barvni svinčniki in akvarelni čopiči.
Eduard Nazarov
Najlepši Winnie the Pooh je od Sheparda (čeprav je tudi on dober, pa kaj), a še vedno od Eduarda Nazarova! Ilustriral je knjige in delal na naših najljubših risankah. Ko smo že pri risankah, je bil Nazarov tisti, ki je narisal smešne junake pravljic "Potovanje mravlje" in "Nekoč je bil pes."
Vjačeslav Nazaruk
Nasmejani mali rakun, prijazen maček Leopold in zahrbten par miši, pa tudi žalostni mamut, ki je iskal svojo mamo - vse to je delo umetnika Vjačeslava Nazaruka.
Nikolaj Radlov
Resni umetnik Nikolaj Radlov je uspešno ilustriral otroške knjige: Barto, Maršak, Mihalkov, Volkov – in jih tako dobro ilustriral, da so bile stokrat ponatisnjene. Posebno znana je postala njegova lastna knjiga »Zgodbe v slikah«.
Genadij Kalinovski
Gennady Kalinovsky - avtor zelo bizarnih in nenavadnih grafične risbe. Njegov stil risanja je bil v popolnem sozvočju z razpoloženjem angleške pravljice- "Mary Poppins" in "Alica v čudežni deželi" sta bili ravno "nevedažnejši in neznanci"! Nič manj izvirni so Brer Rabbit, Brer Fox in drugi smešni fantje iz "Zgodb strica Remusa".
G.A.V. Traugott
Skrivnostni “G.A.V. Traugott" je zvenelo kot ime nekega čarobnega junaka Andersena. Pravzaprav je šlo za celotno družinsko pogodbo umetnikov: očeta Georgija in njegovih sinov Aleksandra in Valerija. In junaki istega Andersena so se izkazali tako lahki, rahlo neprevidni - kmalu so vzleteli in se stopili!
Evgenij Migunov
Naša ljubljena Alice Kira Bulycheva je tudi Alice Evgenia Migunova: ta umetnica je ilustrirala dobesedno vse knjige velikega pisatelja znanstvene fantastike.
Natalija Orlova
Vendar je bila v našem življenju še ena Alica - iz svetovne risanke "Skrivnost tretjega planeta". Ustvarila ga je Natalia Orlova. Še več, umetnica je glavno junakinjo risala iz lastne hčerke, pesimista Zelenyja pa iz svojega moža!
V starodavni Rusiji so seks in vse, kar je tesno povezano z njim, obravnavali z veliko mero domišljije. Hkrati o tej temi ni bilo nobenega tabuja. Vse do konca 10. stoletja so bili Rusi pogani z vsemi posledicami, ki izhajajo iz tega dejstva. Seks so povezovali s praznovanjem, veseljem do življenja in zabavo. Spolnih tabujev praktično ni bilo.
Vlačuge in ples okoli ognja
En moški je lahko imel več žena (do štiri). Če je bila ženska v zakonu deležna malo naklonjenosti, je takoj našla tolažbo ob strani. Nihče ni ohranil nedolžnosti pred poroko. Mlado dekle bi lahko povsem mirno iskalo primernega spolni partner za prihodnjo poroko, ne omejeno samo na poljube med iskanjem.
Deklico v takem iskanju so poimenovali vlačuga iz besede "prevratnik", kar je pomenilo "iskati", "je v iskanju". Ta koncept ni imel nobene negativne konotacije. Lahko bi imeli tako dekleta kot fantje spolni odnos tako z enim kot z več partnerji. Pri mašnih slavjih, posvečen bogu Yarile, ki so ga Slovani povezovali s plodnostjo, so se ljudje z veseljem predajali skupinskemu seksu.
Kako so Slovani imenovali sam proces in dele telesa, ki so v njem vključeni?
Tudi glede besedišča ni bilo tabujev. Rusi so vse imenovali s pravimi imeni in v tej zadevi celo pokazali veliko ustvarjalnosti. Poleg znanih psovke in njihovih izpeljank so Slovani uporabljali tudi bolj alegorične izraze za poimenovanje moških in ženskih spolnih organov ter samega spolnega odnosa.
»Seksati« je med Slovani pomenilo: »jesti«, »nemiriti se«, »drgniti skupaj«. V moskovskih narečjih je obstajala različica "ščurek". Izvajati dejanja nad nekom spolne narave– »besniti« (iz imena Yarilo), »zganjati hrup«, »jesti«.
Moški spolni organ se je imenoval tudi drugače: "eldak" (različice - "eldyk", "elda"), "konec", "hren", "ud" (pojem "užitek" izhaja iz besede "ud") . Tudi v staroslovanskih medicinskih knjigah (prvotni »priročniki« za zdravilce) se je član imenoval »lihar«, »jelka«, »mekhir«.
Rusi so glavo genitalij imenovali "plešast" ali "bun", dimlje - "stegnom", moške testise - "šulata" ali "jedrca". Semenska tekočina se je v istih slovanskih medicinskih knjigah imenovala "splav". Enako barvita imena so obstajala za ženske spolne organe.
Zunanje spolne organe ženske so nosile dolgo pozabljeno ime "luno" (ali "luna"). Najdemo ga v starodavnih Slovanske zarote. Sramne ustnice so imenovali »vrata«, nožnico pa »mesna vrata«.
O notranja struktura Navadni Rusi niso veliko razmišljali o ženskah. Zdravilci in babice so se zavedali, da ženska nosi otroka na določenem posebnem mestu, ki so ga imenovali »matica«, »motulj«, »znotraj« ali »dno« (maternica). In skupno obema spoloma je bilo ime drugega dela telesa, ki je pritegnil veliko pozornosti - to je "guzno" ali "guznyshko" (enako kot zadnjica). Naši predniki so imeli torej poleg nespodobnega besedišča celo plast bolj skromnih, a nič manj barvitih izrazov.
